La Revista Argentina de Musicología –ISSN 1666-1060 (impreso) - ISSN 2618-3072 (en línea)– es la publicación científica oficial de la Asociación Argentina de Musicología. Esta es una revista de acceso abierto, lo que significa que todo el contenido está disponible gratuitamente y sin coste alguno para el usuario o su institución. Los usuarios pueden leer, descargar, copiar, distribuir, imprimir, buscar o vincular a los textos completos de los artículos, o utilizarlos para cualquier otro fin lícito, sin solicitar autorización previa del editor o del autor. Esto es en acuerdo con la definición de acceso abierto de la BOAI. La RAM comenzó a publicarse en el año 1996 en papel y, en 2017, se trasladó a la plataforma online mediante OJS para ofrecer acceso abierto y libre a todo su contenido. Su periodicidad ha sido mayormente anual y, desde 2020, la periodicidad es semestral. Desde 2012, la RAM incluye un dosier temático cuyos participantes son convocados por el editor o coordinador designado. La RAM integra el Portal de Publicaciones de la AAM.
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Derechos de autor 2026 Fátima Graciela Musri https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Consideraciones adicionales para la introducción al dosier “Periodismo musical en América Latina: procesos culturales e interdisciplinariedad”
Derechos de autor 2026 Maria Alice Volpe https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Debate musical en la revista Cine Cubano: vanguardia y reverberaciones del realismo socialista post-Stalin
El presente artículo propone una revisión crítica de los discursos musicales que circularon en la revista Cine Cubano, concebida como portavoz del quehacer del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) y como guía de la política cultural cubana. A partir del análisis de artículos publicados entre las décadas de 1960 y 1970, se examinan las tensiones estéticas entre vanguardia y retaguardia musical y sus resonancias en la creación para el cine. La discusión se inscribe en el contexto del deshielo socialista, las polémicas culturales y las experiencias internacionales que influyeron en los músicos cubanos, en especial el modelo polaco y los Festivales Otoño Varsoviano. El estudio observa cómo los compositores interpelados defendieron o cuestionaron las nuevas técnicas y cómo estas posiciones dialogaron con la identidad nacional y la relación entre música e imagen en movimiento. La revista funcionó como instancia discursiva institucionalizada en la que se negociaron posturas y también se legitimaron las expresiones de vanguardia musical en Cuba. Historial editorial: Recibido: 15 de noviembre de 2025 Aceptado: 8 de enero de 2025
Derechos de autor 2026 Dra. Ivette Céspedes Gómez https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Nacionalismo versus universalismo en el periodismo musical de Roque Cordero
Este artículo analiza la labor periodística y el pensamiento estético del compositor panameño Roque Cordero (1917–2008). A partir de una revisión historiográfica de sus textos publicados entre 1952 y 1978 se examina la relación entre nacionalismo y universalismo en su discurso musical. Cordero utilizó el periodismo como plataforma crítica para reflexionar sobre la función del arte, la educación y el profesionalismo en el quehacer musical panameño, proponiendo que la música panameña debería ser capaz de unir identidad nacional y proyección universal. En artículos como “El folklore en la creación musical panameña” (1952) y “Contra el cutarrismo en nuestra música” (1978), revela su rechazo al nacionalismo basado en la cita folklórica y su defensa de un arte basado en la autenticidad técnica y la transformación creativa del folklore. En textos como “Nacionalismo versus dodecafonismo” (1959) y “El público y la música viva” (1975), Cordero sostiene que la técnica moderna –incluido el dodecafonismo– no es contraria al espíritu nacional, sino un medio para expresar con rigor y contemporaneidad la sensibilidad latinoamericana. Su periodismo musical, presenta uno de los grandes dilemas modernistas latinoamericanos de la época: la búsqueda de una síntesis entre autenticidad nacional, disciplina técnica y universalidad estética. Historial editorial: Recibido: 7 de noviembre de 2025 Aceptado: 18 de diciembre de 2025
Derechos de autor 2026 David Ernesto Vergara Murillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Introducción al dosier “Periodismo musical en América Latina: procesos culturales e interdisciplinariedad”
Derechos de autor 2025 Maria Alice Volpe https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Derechos de autor 2025 Dra. Fátima Graciela Musri https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
La gaita rabiosa: nacimiento y consolidación del cuarteto como género de música popular y cordobesa
Historial editorial: Recibido: 19 de agosto de 2025 Aceptado: 30 de diciembre de 2025
Derechos de autor 2026 Juan Martín Salandro https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
De la música al sonido. La emergencia del sonido en la música de los siglos XX y XXI
Historial editorial: Recibido: 12 de agosto de 2025 Aceptado: 30 de diciembre de 2025
Derechos de autor 2026 Francisco César Eduardo Taborda https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Rollos de tango. La era de las pianolas en Argentina y las interpretaciones de Agustín Bardi para autopianos
Derechos de autor 2025 Carolina Ovejero https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Inducción creativa en la música: evaluación sistemática de técnicas de creación musical en improvisaciones colaborativas
Este estudio evalúa la inducción de Técnicas de Creación Musical (TCM) en grupos de improvisación y creación colectiva, mediante la identificación de rasgos en las producciones registradas en audio y en los procesos de su elaboración. Las TCM son estrategias que aplican principios de optimización estructural, temporal y de equilibrio perceptivo para coordinar a los músicos en situaciones de improvisación o colaboración, favoreciendo el arreglo colectivo a partir de recursos individuales. Entre 2006 y 2018, las TCM se implementaron en talleres y presentaciones públicas con 400 participantes —desde aficionados hasta profesionales— en entornos urbanos y comunitarios. Como resultado se produjeron 1.142 creaciones grabadas, clasificadas y analizadas según su coherencia estructural. Para evaluar la producción creativa se incorporan criterios provenientes de la creatividad computacional, entre ellos el procedimiento SPECS, la evaluación lingüística y otros enfoques relativos al análisis creativo. Los hallazgos confirman que las TCM fomentan una improvisación estructurada, permitiendo a músicos novatos y experimentados crear en el momento piezas musicales consistentes. Este análisis aporta evidencias empíricas sobre las estructuras optimizadas propuestas teóricamente y su impacto en la creatividad musical grupal mediante tácticas cooperativas. Historia editorial: Recibido: 12 de abril de 2025 Aceptado: 1 de noviembre de 2025
Derechos de autor 2026 Ryan Lynus Revoredo Chocano https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Georges Aperghis: la teatralidad del gesto musical y la musicalidad de la puesta en escena
Este estudio tiene como objetivo analizar ciertos aspectos de la obra del compositor Georges Aperghis que permitan una aproximación a su enfoque, su estética y su técnica compositiva. Esta investigación examina si la obra de Aperghis puede concebirse o definirse desde una perspectiva distinta a la de la relación indisoluble entre el intérprete y el compositor en el proceso de creación. Considerado de esta manera, se propone un análisis de los aspectos más relevantes de dos de sus obras: Les Guetteurs de sons, de 1980, y Récitations, de 1978. Si bien estas obras están lejos de ser las más representativas de su catálogo, su selección en el marco de este estudio responde precisamente a la idea de que el concepto de teatralidad está presente en el núcleo mismo de su enfoque artístico, y no únicamente en la parte más evidente de su obra, es decir, aquella explícitamente teatral. Historial editorial Recibido: 31 de marzo de 2025 Aceptado: 20 de octubre de 2025
Derechos de autor 2026 Jeremías Iturra Astudillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
La política al compás de las peñas: la articulación de una identidad política Juvenil en las peñas folclóricas rosarinas en el período 1959-1976
El presente artículo es el resultado de una investigación que abordó la relación infinita entre la política y la música. Tiene por objeto dilucidar y analizar los modos en que se articuló una identidad política juvenil en los espacios de la música popular folclórica rosarina, durante el período que comprende los años 1959 y 1976. La principal hipótesis que atraviesa el trabajo es que en en el marco del espacio de la peña folclórica rosarina, estudiado como ritual, pudo articularse una subjetividad política juvenil particular construida a partir del solapamiento de tres dimensiones que componen la identidad política: la alteridad, la representación y un enfoque sobre la tradición. La metodología implementada es de corte cualitativo, que incluye el trabajo con fuentes secundarias, literatura especializada, las canciones populares del género folclórico y entrevistas abiertas a actores relevantes, especialmente a quienes asistían y participaban de las peñas folclóricas durante el período en cuestión.
Derechos de autor 2025 Mauro Dlugovitzky https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Derechos de autor 2024 Fátima Graciela Musri https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Semiótica de la música y problemáticas de la significación musical. Introducción al dosier
Introducción al dosier "Semiótica de la Música y problemáticas de la significación musical", Vol. 25, Nro. 2, Diciembre de 2024.
Derechos de autor 2024 Federico Buján https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Lo bats'i como supuesto semiótico: creaciones intersubjetivas en el rock indígena de Chiapas
Algunos pueblos originarios en América Latina han presentado nuevas creaciones musicales a partir de géneros populares como el rock y el hip-hop. El caso del rock en lengua tsotsil o bats’i rock (rock verdadero) es particularmente significativo debido a que incorpora elementos culturales propios como la lengua, la vestimenta, los instrumentos musicales, etc., así como otros provenientes de la cultura global del rock como el formato canción y la participación en festivales de música. No obstante, más que mostrar reminiscencias de lo tradicional en el rock que producen, me interesa sobre todo evidenciar los procesos de significación intersubjetiva que configuran esta escena musical juvenil. El presente artículo busca demostrar que la noción de “lo bats’i”, como categoría central en el proceso de semiosis, pone en evidencia una nueva plataforma de enunciación en diferentes contextos gracias a la creación de un nuevo texto semiótico materializado como bats’i rock.
Derechos de autor 2024 José Humberto Sánchez Garza https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El doble proyecto de la revista Folklore en sus inicios (1961-1965)
La década de los sesenta en Argentina fue marcada por el denominado boom del folklore, este fenómeno de gran relevancia que impulso la masiva comercialización de las músicas populares de raíz folklórica no podía haber sido posible sin el apoyo de la industria cultural y por sobre todo por el mercado editorial. En este sentido, la revista Folklore creada en 1961 se constituyó como la referencia predilecta donde los artistas mostraban sus novedades, se realizaban las coberturas de los distintos festivales y peñas del país; dicha novedad editorial fue acompañada por el público lector que demandaba la generación de nuevo contenido tanto informativo como formativo. Este hecho fue el puntapié principal para que la dirección editorial genere la sección Conciencia Folklórica y diseñe la difusión de contenido erudito a través de cada número.
Derechos de autor 2025 Maria Julia Carrazana https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El Maestro y la Diva: mujeres jazzistas que subvierten el canon del jazz en Bogotá
Aunque el canon del jazz bogotano se ha referenciado como uno de los estilos que más ha logrado derribar los estereotipos de clase, raza y género, al igual que en otras escenas musicales, este reproduce modelos y estereotipos que acentúan las violencias históricas que se han ejercido sobre mujeres en las sociedades occidentales. La Diva y el Maestro surgen como imágenes arquetípicas de los preceptos excluyentes con los que se ha canonizado este género musical en Bogotá. A partir de análisis cualitativos, este artículo explora los retos y las luchas que libran actualmente las mujeres dentro de este contexto musical y los impactos que la canonización del jazz ha representado en términos de desigualdad y exclusión para ellas.
Derechos de autor 2025 Daniela González Ramos, Ana Lucía Hurtado Ocampo https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Discursos de mujeres críticas musicales y el Brasil moderno: apología a la música clásica
En este artículo se analizan y contrastan los discursos durante la primera mitad del siglo XX de las mujeres críticas musicales brasileñas Lúcia Branco, Beatriz Leal Guimarães, Ondina Portella Ribeiro Dantas y Magdala da Gama Oliveira respecto de repertorios e intérpretes de música clásica, tanto de extranjeros y locales como de hombres y mujeres. Asimismo, se patentizan los juicios elitistas y el menoscabo hacia el samba, coincidente con el período de su nacionalización y exportación. Defensoras de la música de tradición escrita, estas mujeres polemizaron sobre quiénes encarnaban lo brasileño. Para estas críticas musicales procedentes de la aristocracia carioca, lo brasileño debía depurarse con la eliminación de vestigios africanos. La pugna entre lo docto y lo popular —lo inocuo versus lo nocivo— es, también, una prueba del racismo y del clasismo adheridos y propagados por los medios de comunicación, y también, por mujeres.
Derechos de autor 2025 Nayive Ananías https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Iconicidad e indicialidad en los sonidos y en la música: una aproximación sociosemiótica
El presente artículo propone reflexionar desde una perspectiva sociosemiótica acerca de la indicialidad y la iconicidad en los sonidos y en la música. El nivel propuesto para la indagación es el presemiológico, que focaliza, entre otras cosas, las materias de la expresión. Para la comprensión de la naturaleza física de estas materias, será pertinente considerar el dispositivo mediante el cual cada una de ellas ha sido generada, lo que determinará a su vez su estatuto semiótico, en términos de las categorías de la segunda tricotomía de Peirce (que distingue los íconos, los índices y los símbolos). Entre las distintas clases de sonidos, el trabajo aborda los naturales directos, los mediatizados, los de síntesis y los sampleados, cuando funcionan en instrumentos electrónicos. Hacia el final, se presentan algunos ejemplos de los tipos de observaciones que podrían realizarse sobre las obras musicales adoptando un enfoque como el propuesto.
Derechos de autor 2024 Mariano Zelcer https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
¿Cuartetero y cordobés, o cordobés y cuartetero? Variaciones de los discursos musicales identitarios del cuarteto cordobés en los años 90
En el presente trabajo partimos de pensar que el sentido, específicamente de las músicas populares, no puede ser considerado fijo, ni inmanente. Del mismo modo, entendemos que estas pueden producir diferentes efectos, pero no cualquiera, y algunas interpretaciones, atendiendo a reglas interpretativas de una sociedad en un momento determinado, se presentan como preferibles, de modo que condicionan la interacción de los usuarios con ellas. Esto es lo que hace que ciertas músicas sirvan mejor a las construcciones identitarias de determinados usuarios en un momento histórico particular. Teniendo en cuenta este enfoque, abordamos la construcción de dos discursos identitarios en el cuarteto de Córdoba, una música popular del interior argentino, durante los años noventa: por una parte, una identidad cuartetera en la propuesta de Carlos “La Mona” Jiménez y, por la otra, una identidad cordobesa, en la propuesta de Rodrigo. La ilustración de nuestras conclusiones se centra en el análisis de letra y música de dos canciones editadas entre mediados y fines de la década de 1990: “Cuarte Conga” y “Soy Cordobés”.
Derechos de autor 2024 María de los Angeles Montes https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Fundamentos epistemológicos para el estudio de la significación musical: aportes conceptuales desde la teoría de Charles S. Peirce
La significación musical constituye un fenómeno emergente que encuentra por base procesos semióticos complejos, dinámicos y alejados del equilibrio, mediante los que se inviste de sentido a los discursos musicales. Implica la puesta en obra de múltiples relaciones entre las entidades discursivas dadas a la percepción (configuraciones de materia significante de naturaleza sonoro-musical) y procesos de producción de sentido específicos, desarrollados mediante operaciones semióticas altamente especializadas llevadas a efecto por los actores sociales, dando lugar a la generación de particulares interpretantes sobre la base de relaciones triádicas. Dichas relaciones dan lugar al despliegue de la semiosis musical, activando y entramando una compleja red de operaciones de sentido; encontramos aquí el núcleo duro en el que se constituye y emerge la significación musical. En el presente trabajo nos ocuparemos de discutir algunos fundamentos semióticos de base a partir de diversos aportes conceptuales provenientes de la filosofía de Charles Sanders Peirce, a los efectos de ponderar sus alcances y su potencialidad para el estudio de los procesos de significación musical, en tanto que, desde dicha perspectiva, se pueden construir bases epistemológicas sólidas para el abordaje de la producción de sentido en el campo musical.
La narratividad del Soliloquio. Integración de análisis formalista y narrativo en una obra de Gerardo Gandini
Este trabajo propone el análisis narrativo musical como una herramienta significativa para complementar otras perspectivas de análisis en función de indagar los significados expresivos particulares de la obra Soliloquio para oboe, del compositor argentino Gerardo Gandini. El texto está organizado en tres partes: en la primera se discute brevemente las categorías tradicionales de autor, obra, texto, intérprete y performance y se realiza un análisis formal, motívico y de conjuntos de clases de altura; en la segunda se relevan perspectivas y propuestas para el análisis de la narratividad musical; y en la tercera se propone un análisis narrativo de la obra siguiendo la propuesta de Almén (2017).
Derechos de autor 2024 Leandro Doñate https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
La entrevista imposible. Una tarde con Serú Girán. 9 de marzo de 1988
Derechos de autor 2024 Luis Ramón Pérez Valero https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Transformaciones y narratividad en el primer movimiento de la Sonata op. 10 nro. 1 de Ludwig van Beethoven
En este artículo presentamos un análisis paradigmático del primer Movimiento de la Sonata op. 10 nro. 1 de Ludwig van Beethoven. Tenemos la intención de relacionar las múltiples transformaciones del material musical que hemos descripto sistemáticamente con el potencial narrativo que la pieza revela en su desarrollo temporal. Los primeros 8 compases de la obra responden a la clásica frase en período sin embargo, el análisis de nivel neutro revela lo problemático que es segmentar este grupo en unidades más pequeñas. Para eso hemos desarrollado dos hipótesis para la articulación de los primeros 8 compases y cinco hipótesis para la segmentación interna de los 4 primeros compases y comprobamos que todas ellas coexisten en diferentes momentos de la pieza, siendo las más evidentes y perceptualmente relevantes, las menos repetidas, mientras que, paradójicamente, las segmentaciones menos intuitivas y perceptualmente menos relevantes han dado lugar a los eventos generativos con más poder explicativo y por lo tanto aquellos con mayor poder narrativo. En el final proponemos una interpretación de los procesos formales descriptos exhaustivamente en el marco de la semiótica existencial de Eero Tarasti.
Derechos de autor 2024 Jorge Sad Levi https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Sonografía de la pampa. Música argentina durante el primer peronismo (1945-1955)
Derechos de autor 2024 Luisina Inés García https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
¿"Universalidad más diferencia"? Apuntes sobre cosmopolitismo y música
El concepto de cosmopolitismo adquirió desde hace algunas décadas una considerable relevancia en distintas áreas del conocimiento, de lo que da cuenta una profusa bibliografía multidisciplinaria. En la discusión teórica, esta noción está lejos de suscitar consensos, en parte debido a las diferentes perspectivas ideológicas y disciplinares en juego. Se intenta aquí explorar algunas de esas vertientes para reflexionar sobre un repertorio significativo de situaciones que se dieron en la música culta latinoamericana del siglo XX, en las cuales se manifiestan las tensiones entre pertenencia y exclusión, en relación tanto con las tradiciones locales como con los lenguajes internacionales.
Derechos de autor 2024 Omar Corrado https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Rapsodia andina: anotaciones de un oyente cosmopolita
Este texto pretende explorar representaciones cosmopolitas presentes en la “música andina”, una galaxia de distintas escenas musicales caracterizada por aspectos de transnacionalidad y transculturalidad, y por una intensa dialéctica entre lo global y lo local; condiciones que la convierten en un terreno fértil para lecturas de corte cosmopolita. Imaginando a un oyente europeo en su periplo por las distintas músicas andinas que florecieron en su entorno a partir de los años sesenta, el autor reseña tanto dinámicas inherentes a esa escucha, a menudo marcada por el exotismo, como interpretaciones críticas del fenómeno por parte de estudiosos de música popular y etnomusicólogos. Observa también que desde el interior del espacio musical andino operan asimismo perspectivas cosmopolitas, en cuanto expresiones de instancias socioculturales locales. Finalmente, relaciona el concepto de cosmopolitismo musical andino con los conflictos interpretativos en torno a la “modernización” del folclore y de la tradición.
Derechos de autor 2024 Stefano Gavagnin https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Italianidad, criollismo y tango en la revista Armonía de 1905
El propósito de este artículo es realizar un primer acercamiento analítico a la revista Armonía, aparecida en Buenos Aires en 1904 y dedicada a la difusión de partituras para mandolín o violín con acompañamiento de guitarra. Su contexto de circulación está signado, por un lado, por fuertes debates identitarios —políticos y artísticos— entre la dirigencia criolla y la italiana en el Plata; y por el otro, por la incipiente cultura de masas porteña, determinada tanto por la estética criollista como por el protagonismo de inmigrantes. Armonía era dirigida por el mandolinista y compositor de tangos ítalo-argentino Próspero Cimaglia (1876-1933) y unía a un público diverso, distribuido en el territorio nacional. En la lectura aquí propuesta, sustentada en el análisis del discurso editorial, los géneros musicales representados y la trayectoria de Cimaglia, Armonía no era ajena a estas tensiones identitarias. Se alineaba en ciertos aspectos a la italianità, compartiendo con este programa ciertos valores y promoviendo un canon de maestros ítalo-porteños. Mantenía al mismo tiempo vínculos con modelos de interacción más sincréticos, propios del arte popular. Del estudio contextualizado de la revista emerge la importancia del mandolín en estos debates, en tanto símbolo del capital cultural italiano.
Derechos de autor 2024 María de la Paz Tagliabue https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El Rey del compás y su séquito: Juan D’Arienzo y la corriente tradicionalista en las orquestas típicas de los sesenta
En este artículo se abordará la línea tradicionalista en el ámbito de las orquestas típicas de tango durante la década de 1960, en Argentina, considerando cinco orquestas representativas de esta corriente: Juan D’Arienzo, Francisco Canaro, Fulvio Salamanca, Héctor Varela y Alfredo De Angelis. En primer lugar, se analizarán los cambios estilísticos experimentados por la Orquesta Típica Juan D’Arienzo respecto al estilo interpretativo que presentaba el conjunto con anterioridad. Se trata de un aspecto de la performance tanguística de esta orquesta que no ha sido abordado aún de forma específica desde los estudios musicológicos. En segundo lugar, se analizarán las grabaciones de las demás orquestas, para comprender su ubicación dentro de la corriente, es decir, su adherencia a la línea darienciana o una posible diferenciación del modelo.
Derechos de autor 2024 Guido Ferrante https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0